L’art vivant est éphémère, c’est sa nature. On répète, on se prépare, on monte, on joue, on démonte… et puis, c’est le blues « post partum ».

En ajoutant a cette dynamique traditionnelle l’épreuve d’un spectacle au bord de l’annulation (au lendemain des attentats de Paris), un public forcément clairsemé et une facture bien salée, cela laisse une impression étrange – surtout quand le metteur en scène est venu spécialement de Russie pour l’occasion ! 

Et bien qu’à cela ne tienne : puisque cette chienne de destinée se joue de nous, alors renversons la table ou, tout du moins, le paradigme.

Qu’avons nous a disposition  ?

• un acteur senior, fanatique de Dostoïevski et qui en partage la barbe
• Un autre acteur, qui sort justement d’un rôle dostoïevskien
• Des costumes et décors, époque fin XIXème
• Quelques jours et de l’énergie à revendre
• Un appareil photo
• Un thème et une idée

Le thème consiste à s’interroger sur la manière dont se construit la littérature. Comment s’y prend l’auteur ? A quel point puise-t-il dans son expérience personnelle ? A quel point réinvente-t-il ce qu’il voit autour de lui ?

Selon les journaux de Dostoïevski, l’idée de sa nouvelle « La Douce » / « La Docile » (Кроткая) lui serait venu de coupures de journaux, relatant un fait divers ; une jeune ferme de maison se serait jetée par la fenêtre, en serrant tout contre elle une icône. 
Au XIX eme siècle, alors que le suicide est encore considéré comme un meurtre contre une créature de Dieu, l’affaire n’est pas anodine. Que la jeune femme soit, de plus, d’une foi fervente ajoute au paradoxe. 
Voici de quoi alimenter la réflexion et stimuler l’imagination d’un écrivain porté sur la psychologie : qu’est-ce qui pourrait pousser une telle personne à un tel acte ? Quelles sont les circonstances qui pourraient le justifier ?

Nous savons également que Dostoïevski a perdu sa première épouse ; il connaît donc les états d’âmes, qui surviennent la nuit d’après. (Il s’agit d’ailleurs précisément de la situation du personnage principal de “Krotkaia” – toute l’action se déroulant sur cette première «  nuit d’après »).

Enfin, nous savons que de nombreux autres thèmes du récit ont des liens étroits avec la vie de l’auteur : Dostoïevski a connu la gêne, avec les allers-retours réguliers au moins de Piété, pour y laisser des objets en gage ; son incompatibilité de caractère avec l’armée le conduisit lui-aussi à la quitter ; il connut le contraste entre les bonnes manières nobiliaires et la vie dans les bas fonds (notamment en camp de prisonnier en Sibérie, au côté du peuple)…

Nous avons donc imaginé un scénario : comment l’auteur perçoit-il le monde qui l’entoure et dans quelle mesure puise-t-il dans son expérience personnelle, pour transformer tout cela en littérature ?
Évidemment, cela mériterait au moins un moyen format (au moins 20-25 minutes), pour permettre un développement avec une certaine profondeur. Mais qui nous financerait ?
Je n’avais moi-même aucune expérience de jeu cinématographique et Amvrosyi Svetlogorskyi s’en était coupé depuis le début des années 2000. 

D’un certain point de vue, nous avions besoin d’un « pilote » pour tester notre idée : avait-elle un potentiel ? Pouvait-on y croire ? Quelle la capacité artistique et émotionnelle de ce thème ?
Nous savions bien qu’en quelques minutes, nous ne pourrions pas aller très loin, mais nous pensions qu’il serait tout de même possible d’évoquer les choses et de créer une atmosphère.

Alors, à Dieu va : nous écrivons quelques scènes sans paroles (certes nourries par des réflexions de longue date), notamment celles où Dostoïevski écrit et c’est parti ! 

Principes fondamentaux :

J’avais suivi une petite formation sur la question du montage et de la colorimétrie, au cours de laquelle le formateur affirmait que toutes les caméras (y compris les appareils photos) se valaient globalement et qu’on pouvait faire beaucoup avec peu (surtout avec de bonnes conditions d’éclairage de la scène). Dans le même esprit, Werner Herzog dans sa masterclass affirmait : il ne faut pas attendre que toutes les conditions soient réunies, sinon on ne fait pas et on apprend jamais rien !

C’est exactement dans cette double optique que nous avons travaillé : de l’enthousiasme ; deux acteurs (dont l’un qui bénéficie d’une expérience cinéma), un thème intéressant ; pour le reste, on se débrouille !

Matériel :

• Un appareil photo numérique unique (pas de double camera), impossible a régler manuellement en mode vidéo et en HQ (pas de 4K). 
• Deux optiques : l’une de base 12-45 et une seconde 90-150. 
• Un microphone a large membrane (fait pour le chant de proximité, en studio), avec un système de conversion analogique /numérique de studio – donc pas exactement transportable. 
• Un éclairage d’ambiance et une lampe halogène pour les accents, de manière à compléter les bougies, qui figureront dans le cadre.

En un mot : un matériel inadapté, mais, de nouveau, on fait avec ce qu’on a ! 

Or, le cinéma, comme le théâtre, c’est beaucoup de débrouille. Même dans les productions hollywoodiennes, bien budgétées et préparées, je suis convaincu qu’il y a un ou plusieurs « fixeurs » de l’impromptu (voir la partie centrale du film Babylone, pour rire un peu).

Globalement, il était intéressant, sinon amusant, d’expérimenter les lois du cinéma : 

• Composition photo > en cas de doute, règle des tiers
• Importance du decorum… dans le cadre et juste dans le cadre. Ce qui est en dehors, on s’en fout. Ou comment créer l’impression d’un espace, alors qu’on a juste un coin d’un appartement 
• Lumière : nous avions déjà l’expérience du théâtre, mais ici, il fallait ajouter des touches : une bougie, une ombre franche
• Le son : prise de son en direct vs. voix off vs. prise de son en différé vs. bruitages
• La couleur
• La musique

Mise en espace :

Parlons décors : que faire lorsqu’on vit dans un appartement datant des années 60 , mais qui a du parquet sous forme de petit bloc ? Dans ce cas là, on peut cadrer serré et préférentiellement en plongée, de haut en bas !

C’est ainsi que nous avons filmé la bassine sur le plancher, la paire de bottines à côté d’un porte manteau en bois, le chambranle d’une porte, la table en chêne, quelques autres objets issus des décors de la mise en scène du spectacle… 

En revanche, le plan final sur Dostoïevski, en contreplongée et avec une forte profondeur de champ, nous a donné du fil a retordre !

Le Rouge et le Noir :

La couleur a été compliquée a gérer. 

En effet, nous avions décidé de travailler avec une atmosphère aussi proche que possible de la réalité, avec des bougies et des lumières complémentaires. Sauf que les bougies et les halogènes , c’est très jaune ! Ça, c’était l’idée, sauf que dans la réalité d’une technologie et dans ces conditions de lumière, les caméras ont tendance à tirer sur le rouge. 

Il a donc fallu corriger tout cela en post production, pour avoir des teintes plus classiques. Évidemment, le défaut de modifier la couleur à ce point,  en post prod, est double : d’abord, nous n’avions pas de blanc de référence, pour réaliser une balance des blancs (erreur de tournage : une bonne leçon).  Il fallait donc travailler au jugé, mais on peut faire beaucoup. Ensuite, quand on filme dans les jaunes/rouges, on perd l’information des verts et des bleus, qui sont écrasés – et ça, c’est impossible à retrouver. Heureusement, nous n’en avions guère dans le cadre (sauf les bottines), ce qui limitait la casse.

Finalement, je ne suis pas trop mécontent du résultat : 

Avant

Après

Sound of silence :

Le son est très important. 

Toujours selon Werner Herzog, mais aussi la plupart des vidéastes youtubeurs (c’est dire !), il fait la moitié du boulot. 
De mon point de vue, il y a là une portée positive et négative.

Pour le positif, il s’agit de créer l’atmosphère : sans son, l’image paraîtrait plaquée et artificielle. Pour s’en convaincre, il suffit de couper le son sur n’importe quel film.

Mais pire encore, pour le négatif, donc : si le son est mauvais, il est tout simplement impossible de regarder un film jusqu’au bout (et cela vaut même pour une durée de 3 minutes). Imaginez un souffle significatif, un grésillement, ou pire encore : une saturation lorsque les personnages parlent ! C’est en cela que le son joue a 50%. Pour finir, Werner Herzog évoque ses premiers projets, réalisés en groupe d’apprentis réalisateurs passionnés : sur 10 projets, 8 n’ont pas été aboutis et ce, a cause de problèmes de son !

Cette petite vidéo publicitaire de TASCAM est assez amusante et exprime bien les enjeux (regarder juste les 30 premières et dernières secondes) :

En l’occurrence, notre matos n’était certes pas vraiment adapté a la prise de son cinéma, mais il ne grésillait pas non plus. Comme nous filmions en conditions stationnaires (un peu comme dans un studio), il était possible d’utiliser un matos difficile à trimballer. Une fois encore : vive la débrouille !

En revanche, nous avons rencontré des soucis pour les prises au niveau de la porte. Autant il m’avait été possible d’interpréter, en russe, la scène de la bassine, autant je ne parvenais pas à réussir celle de la porte (à la Courbet). Nous avons donc décidé de la tourner en français et de la doubler en post production. 
Quelle galère !

On raconte que Stanley Kubrick a rencontré d’énormes problèmes, lors de la production de son premier long métrage : “Fear and desire”. Il s’est résolu à tout doubler en post production. 
Funeste décision : compte tenu des attentes du public occidental, vis-à-vis de la synchronisation des paroles au mouvement des lèvres, l’expérience s’est révélée ahurissante de difficulté en post-production… A ce qu’on raconte, donc, il aurait bien failli abandonner en route.

Les soviétiques avaient une autre convention du son : ce qui surprend dans les films de l’époque soviétique, c’est le silence : il n’y a pas de bruit de fond ! Tout était doublé en studio, post tournage. C’est ainsi qu’il était possible de faire tourner, par exemple dans le fameux film “l’ironie du destin”, une actrice ne parlant pas (ou pas assez bien) le russe, pour la doubler ensuite par une russophone – et ça passe crème ! (du reste, les acteurs soviétiques disposaient d’une technique de jeu beaucoup plus solide que les acteurs occidentaux).

On raconte de même que, dans la tradition du cinéma italien des années 60-70, on doublait tout en post production. Et c’était apparemment la cacophonie sur le plateau – pas évident pour se concentrer, pour les acteurs américains, qui venaient faire un tour par la cinècitta. En outre, cela permettait aux réalisateurs de brailler leurs indications aux comédiens durant les prises… 
Personnellement, j’aime bien cette technique (en tant que comédien ou en direction d’acteur), car elle permet d’adapter le jeu en temps réel – mais certains détestent ça.

Anecdotes d’interprétation :

La séquence la plus efficace de ce petit film repose sur un malentendu, ou plutôt sur une expérience : l’effet Kouleshov !
Il s’agit d’une séquence en écho ; dans notre film : 

1. Dostoïevski ouvre une petite boîte, posée sur son bureau, et en sort un bijou, qui pourrait avoir appartenu au personnage féminin.
2. Enchainement sur la vision de l’homme imaginaire, qui observe cet objet a son tour.
3. Retour à Dostoïevski.

Nous avons reçu plusieurs compliments pour cette séquence. 

En réalité, il s’agit d’un effet cinématographique assez connu et expérimenté dans le cinéma soviétique dès les années 20 (d’où le nom de son inventeur : Lief Kouleshoff). 
Il fonctionne grâce à l’imagination du spectateur et aux transferts émotionnels. Porté par l’atmosphère créée plus tôt dans le film, le spectateur remplit de sentiments tout ce qu’il voit – même s’il s’agit en réalité de plans neutres. 

Alfred Hitchock en parle très bien :

Et pourtant, il s’agissait pour moi d’une véritable leçon d’interprétation : surtout ne rien jouer ! Se contenter de regarder le bijou, pendant que la caméra fait le job (un lent changement de focus, en partant des yeux d’abord, vers le bijou ensuite). 
Un bel enseignement ! 

J’ai réitéré l’expérience dans mon film suivant : ” A Kurt To Be”, dans lequel je m’étais efforcé de ne rien jouer tout au long du film – sauf dans le plan final. Cela m’a d’ailleurs appris que cela ne fonctionne pas a tous les coups, ni sur la durée, et qu’un minimum de charge émotionnelle apporte un plus indéniable, au moins pour quelques scène clés.

Anecdotes sur l’après de ce projet :

Mon partenaire de jeu, Amvrosyi, s’est pris au jeu à double titre :

• Tout d’abord, enthousiasmé par ce thème, il a attaqué l’écriture d’une biographie romancée de Dostoïevski, par le prisme de ses œuvres. Il s’agit ainsi d’évoquer les relations entre les romans et la vie personnelle de l’auteur. Il a déjà écrit 2 livres sur le sujet et attaque le 3ème.
• Ensuite, porté par ces questions, il a pu rencontrer un réalisateur moscovite, lui-aussi fanatique de Dostoïevski et de son œuvre. Ils ont ainsi développé ensemble une série de moyens formats télévisuels, avec deux saisons et une quinzaine d’épisodes environ, dans lesquels Amvrosyi reprend le rôle de Dostoïevski. L’idée est d’aborder un thème abordé dans le journal d’un écrivain, gazette de l’auteur, et de le confronter à l’actualité russe. Un format tout à fait intéressant : https://otr-online.ru/kino/dnevnik-dostoevskogo-3742/